9 Tips para un render creativo.
El render, es una representación gráfica descriptiva. Pero nada impide que encierre una narrativa.
Como en la fotografía, el render creativo además de informar o aclarar algo de forma gráfica, puede utilizarse como un medio narrativo.
A continuación dejamos 10 consejos para un render con más carácter y evocativo.
Utilizaremos algunos renders de soporte gráfico.
1.-Elige un objeto principal
Con un personaje o un producto eso es fácil. Pero incluso en la arquitectura o el diseño de interiores existe ese punto especial que nos parece digno de resaltar.
Ese puede ser el objeto sobre el que basarnos a la hora de establecer las tomas.
El objeto principal en cuestión es el juguete de dinosaurio
2.- Trabaja la composición
Todo comienza con una disposición básica de nuestros elementos, a fin de resaltar las características que nos hayamos propuesto lucir.Tenemos al conjunto de principios guía (la regla de tercios, la espiral áurea, diagonales, etc.) que no son obligatorios pero que nos pueden indicar posibles puntos de atención en la toma.
También está el cuidado de evitar la línea del horizonte en el centro de la toma.
Incluso se pueden zonas “negativas” o líneas guía que dirijan al ojo del espectador.
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- Espiral Dorada
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- Regla de tercios
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- Triángulos
es lógico que no podamos elegir todas las reglas de composición al mismo tiempo. Pero en esta ocasión hemos logrado que tres de ellas se aproximen a nuestro propósito final.
3.- Usa configuraciones de fotografía
Hoy más que nunca, la fotografía real y el 3D digital pueden ir de la mano. Contamos con muchas herramientas, sino todas, necesarias para emular punto a punto todo lo que técnicamente hace un fotógrafo y además podemos adornarlo con cambios que sólo nos permite la computadora.
Profundidad de campo
La cámara de Vray Tiene todo lo necesario para imitar una cámara reflex.
1.- Apertura o f-number 2.-Lente o distancia focal 3.-Distancia de enfoque 4.-Velocidad de obturador
Otra forma de llamar la atención del espectador hacia la parte importante de nuestra imagen es mediante el enfoque y desenfoque de sus zonas.
La profundidad de campo determina si hay mayor o menor cobertura de la zona de enfoque.
En esto intervienen dos factores:
La apertura del diafragma denominada F-Number
Los números pequeños indican una menor profundidad de campo (menos zona enfocada), pero más ingreso de luz al sensor. Mientras que valores mayores cubren un área enfocada mayor a cambio de menor luz para el sensor.
Esto luego se compensa con el tiempo de exposición (shutter speed) o con la sensibilidad ISO.
Esto nos lleva al siguiente punto.
El lente que utilizamos.
Los lentes gran angulares (12-35mm) Nos brindan un enfoque más amplio mientras que los teleobjetivos (50-200mm) tienen a enfocar un área mucho más pequeña.
Los lentes, por supuesto, también influyen a la hora de percibir la distancia y profundidad de la escena. Esto lo desarrollamos en este artículo.
Este artículo no pretende cubrir toda una disciplina como la fotografía con un par de párrafos. Eso sería por demás pretencioso.
Sólo nos limitamos a mencionar aquellos aspectos que nos parecen especialmente adecuados de estudiar y saber para poder aplicarlo al campo del render.
No existe más fórmula que la práctica para ir mejorando, pero definitivamente, la fotografía es una disciplina que puede ayudarnos mucho.
4.-Experimenta con proporciones y tamaños.-
Este formato no es precisamente innovador ya que ha sido popularizado por los reels de instagram y por el uso en vertical dle formato HD pero resulta curioso cuando se aplica a un render de interior
Tenemos en el menú de render un configurador para todos los formatos de pantalla. Y si queremos un render en papel también contamos con el print size assistant del menú de render. Eso está por demás cubierto.
Con la llegada de las redes sociales y de distintas aplicaciones para compartir imágenes que son mucho menos estrictas a la hora de establecer tamaños y proporciones. ¿Por qué no intentar algo nuevo?
Renders en vertical o cuadrados o incluso como banners o panorámicos de 360 grados. Como en los cómics algunas viñetas se salen de lo convencional para narrar o poner énfasis en algo.
De acuerdo estamos en que existen vistas y encuadres que deben ser respetados. Pero unas cuantas imágenes de soporte con un formato diferente pueden hacer llegar mejor el mensaje (este lugar/ personaje /objeto es divertido/todo terreno/resistente/etc.)
5.- Juega con contrastes (luz Y sombra)
A veces las texturas y las formas sugieren más cuanod no son visibles del todo.
La transición y el contraste de luz y sombra sobre los objetos es lo que los dota de volumen.
Parte de la naturalidad de la que queremos dotar a nuestros renders se encuentra en que todo no esté demasiado bien graduado.
En este juego de luces también entra el viñetado. Esas pequeñas zonas oscuras cerca de las esquinas de “la foto” que, de alguna forma enmarcan el contenido en el centro de la imagen.
6.- Utiliza Volumétricas cuando sea pertinente.
A veces las texturas y las formas sugieren más cuanod no son visibles del todo.
Especialmente en algunos espacios cerrados es más fácil encontrarse con este efecto.
El ambiente está hecho de partículas de polvo y contaminación en general. Cuando la luz atraviesa estas partículas presentes en una cantidad significativa, es como si dieran cuerpo o volumen a la luz.
Un ejemplo claro es el de una linterna en la noche. Algunas veces podemos seguir el halo del recorrido del haz de luz gracias a este fenómeno, porque el hilo de luz se ve rodeado de zonas de sombra y sólo afectan a su camino de partículas.
En los motores de render tenemos el “volume light” que podemos manejar a antojo.
La luz volumétrica de Vray y su menú de configuración.
Otra opción es recurrir a los archivos OpenVDB que se pueden definir muy sueltamente como archivos que contienen información de volúmenes (léase nubes, polvo, explosiones, humo, etc.) que pueden ser estáticos o animados. Están hechos con software especial que cada vez es más común entre los programas de 3D, y que son muy manejables.
El contra de estos es que si son muy detallados suelen necesitar mucha potencia de RAM para renderizar. Pero son una forma de traer esas deseadas partículas a la escena.
7.- Aprovecha de los Gobos
Gobo (acrónimo del inglés, “goes before optics”, «va delante de la óptica») es una técnica fotográfica y cinematográfica para bloquear la iluminación mediante una pantalla opaca. Wikipedia.
Los gobos nos serán útiles para romper la armonía de la luz en especial si armamos una luz tipo estudio, para simular entradas de luz a través de ventanas o a la sombra de árboles, en los casos más comunes, o para dar una estética totalmente diferente y preparada.
Mientras que las luces de area se encargan de la visibilidad de la escena, una luz spotlight (cono) es la portadora de nuestro gobo
8.- El caos es realismo
No siempre la toma debe tener a todos los objetos bien enmarcados o sin recortar, en especial si se quiere producir esta forma creativa de render.
Tener algún elemento no importante recortado o fuera de cuadro es lo normal si lo que se quiere es representar un entorno que tiene presencia humana que lo manipula y cambia.
Y salvo que se trate de una toma de estudio, siempre hay más objetos de los que se retratan. No cometas el error de sólo colocar lo necesario para el render. Llena el espacio con objetos que incluso fuera de foco o en la oscuridad concedan esa sensación de habitado.
El no tener todo bajo control o al menos aparentarlo es parte de una render más dinámico y convincente.
Si abstraemos este render a la presencia de sus objetos ,no todos los elementos son protagónicos (esta fuera de foco o se ven a medias, pero colaboran a que el que si lo es, tenga su cuota de existencia en un entorno más real.
9.-Confía en la post producción.
El Vray Frame Buffer dotado de muchas herramientas para aderezar nuestro render luego de la espera.
El render tiene infinitas posibilidades luego de procesarse.
Las aplicaciones como Vray ya incorporan un sistema de post producción en su misma ventana de render (el Vray Frame buffer) en el que se pueden corregir y acentuar aspectos que no se habían contemplado hasta visualizar el render final.
Balance de blancos, destellos de lente, aplicación de LUT’s o incluso perfiles de tratamiento de imagen como ACE’s están ahí mismo para exprimir todo lo que se pueda.
Pero si te sientes más cómodo en aplicaciones como Photoshop, adelante. Ahí cuentas con filtros de imágenes RAW y más LUT’s e incluso pueden hacer retoques manuales que sin duda le darán a la imagen una originalidad especial.
El render creativo: Conclusión.
Siendo el render un medio tecnológico con tantas bondades, por qué relegarlo solo a la mera documentación.
En render llevado a los extremos que mencionamos aquí no es adecuado para todas las situaciones.
Muchas veces es sólo necesario describir una idea como si fuera un catálogo, pero si podemos aprovechar y visualizar el abanico de posibilidades, es probable que podamos añadir ese extra con nuestro render creativo.